Adriana Baptista e Marcello de Mattos ensaiam a relação do som com a imagem, nomeadamente o som do silêncio e o som do ruído, problematizando tanto o preenchimento sonoro da imagem em movimento e da imagem parada, e as leituras que o silêncio, e o ruído, nos provocam sobre a imagem – assim como a leitura que a imagem nos provoca sobre o som. Jaime Neves, por sua vez, foca-se na cor, nomeadamente no uso estratégico de cor em filmes primariamente a preto e branco, elencando possíveis interpretações e intenções que derivam destas escolhas estéticas. Finalmente, Sandra Nunes e Luíza Fonseca exploram a pouco conhecida incursão de Antonin Artaud no cinema, analisando o filme A Concha e o Clérigo e reflectindo sobre o filme na decomposição da relação entre sonho e corpo.
Uma vez que a fotografia tem a capacidade de imobilizar o sujeito fotografado no tempo, é-lhe sistematicamente atribuído o poder de matar e de ressuscitar. Sabendo que a realização do vídeo documental se suporta, frequentemente, na imagem fotografada, ainda que esta não busque o movimento iminente dos sujeitos ou dos objetos, mas a fugacidade do instante prévio, síncrono ou póstumo ao acontecimento, considerámo-la capaz de captar, para além do sucedido, a fugaz imagem especular da alma do sujeito ou do objeto. As mãos e os olhos dos sujeitos são frequentemente produtores de expressões sinérgicas, capazes de falar retoricamente e agarrar o poder de construir o conhecimento do mundo através da legibilidade do silêncio. Neste trabalho, pretendemos sistematizar os objetivos que o cinema, suportado em fotografias com voz pós-síncrona, pode cumprir através da manipulação do silêncio, do ruído coerente e incoerente com a imagem e da voz-off e analisar a gestão da voz pós-síncrona enquanto estratégia retórica disponível para as ‘sound-bridges’ entre as fotografias e a instrução verbal mandatória sobre o processamento visual das imagens fixas. Escolhemos as masseiras, um terreno agrícola escavado abaixo da linha do horizonte, fugitivo do vento e do sal do mar e, nesta perspetiva, propomos a realização de um documentário sobre as masseiras, suportado pela fotografia fixa e pelo som síncrono entre a imagem parada no tempo e a voz e o vento que recuperaram a vida, trazendo através da sequência cinematográfica e do som não a ação, mas o tempo.
ver artigo em pdfSince photography has the ability to immobilize the subject photographed in time, it is systematically assigned to it the power to kill and resurrect. It is known that the documentary video realization is often supported by the photographed image, even though it does not seek the imminent movement of subjects or objects, but the fleetingness of the previous instant, synchronous or posthumous to the event, we consider it capable of capturing, beyond to what happened, the fleeting mirror image of the subject’s or object’s soul. The subjects’ hands and eyes are often producers of synergistic expressions, capable of speaking rhetorically and grasping the power to build knowledge of the world through the legibility of silence. In this work, we intend to systematize some of the objectives that cinema, supported by photographs with post-synchronous voice, can fulfil through the manipulation of silence, noise coherent and inconsistent with the image and voice-off and analyse the management of post-synchronous voice as a rhetorical strategy available for sound-bridges between photographs and mandatory verbal instruction on the visual processing of still images. We chose the ‘masseiras’, an agricultural land excavated below the horizon line, fugitive from the wind and sea salt and, in this perspective, we propose the realization of a documentary about the ‘masseiras’, supported by the fixed photography and the synchronous sound between the image stopped in the time and the voice and wind that recovered life, bringing through the cinematic sequence and sound not the action, but the time.
O recurso à inclusão de elementos cromáticos ou curtas cenas coloridas em produções cinematográficas a preto e branco é algo que, apesar de não muito frequente, vem pontualmente acontecendo ao longo da história do cinema em filmes como, por exemplo, O Couraçado Potemkine (1925) de Sergei Eisenstein, passando por, entre muitos outros, Juventude Inquieta (1983) de Francis Ford Coppola, As Asas do Desejo (1987) de Wim Wenders, ou mesmo A Lista de Schindler (1993) de Steven Spielberg. Pelo recurso pontual à cor num filme a preto e branco, procura-se objetivar e potenciar uma clara distinção que enfatize linhas narrativas capazes de evidenciar, ao entendimento do espectador, uma clara demarcação de sentidos opostos, sejam eles de factualidade e sonho, passado e presente ou ainda, por exemplo, realidade e fantasia. Procura-se, de igual forma, por esta via, viabilizar uma catalogação diferenciadora de estados díspares onde o efeito da presença simultânea do preto e branco e da cor pode alternadamente remeter o espectador para ambientes de tensão latente, universos utópicos e inusitados, fantasiosos ou mesmo, porventura, vivências distintas. Neste trabalho, partindo da análise de várias obras cinematográficas, pretende-se elencar, analisar e refletir sobre as potencialidades das incursões cromáticas num registo cinematográfico a preto e branco.
ver artigo em pdfThe inclusion of chromatic elements or short coloured scenes in black and white cinematographic productions is something that, though not frequent, will seldomly happen along the history of cinema in films such as, for example, Sergei Eisenstein’s Battleship Potemkin (1925), all along films such as, among others, Francis Ford Coppola’s Rumble Fish (1983), Wim Wenders’ Wings of Desire (1987) or even Steven Spielberg’s Schindler’s List (1993). Through the specific use of colour in a black and white film, one seeks to objectivate and potentiate a clear distinction that underlines narrative lines capable of evidencing, to the spectator’s understanding, a clear distinction between opposing senses, be they factual or dreamlike, past or present or even, for example, reality and fantasy. One seeks, equally, in this way, actualize a diferenciating cataloguing of different states wherein the effect of the simultaneous presence of black and white and colour may alternatively guide the spectator towards environments of latent tension, utopian, unusual or fantasy universes or even, maybe, distinct forms of living. In this work, from the analysis of several cinematographic pieces, we seek to showcase, analyse and reflect upon the potentialites of chromatic incursions in a cinematographic language that’s black and white.
Ao se pensar no cinema como um espaço para o potente gesto dos “estados culminantes da alma”, Antonin Artaud (1896 – 1948) – ator, poeta, dramaturgo, diretor, escritor e pensador francês – desenvolveu um compilado teórico e artístico acerca de sua proposta para essa forma artística. Para além de sua reconhecidíssima contribuição ao teatro, está o seu, não tão conhecido e discutido, trabalho com o cinema, que envolve sua atuação como pensador, roteirista e ator. Artaud produziu diversos textos esparsos condensando suas proposições sobre a criação de uma nova linguagem cinematográfica para a sua época. Assim como escreveu oito roteiros, dos quais apenas um foi filmado: A Concha e o Clérigo (1928), dirigido pela cineasta surrealista Germaine Dulac. É nesse universo, um tanto injustamente inexplorado de sua obra, que esse ensaio se propõe a adentrar.
ver artigo em pdfNão tem
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